Эпоха стиля – определение, описание, характерные особенности история моды от эпохи Возрождения и до наших дней

Содержание

Студия элитного паркета «Эпоха Стиля»

Декоративный бордюр для модульного паркета с камнем превращает «обычный» паркет в «изысканный», придавая интерьеру вашего дома неповторимую индивидуальность. Представленный пример бордюра сочетает массив дерева и натуральный мрамор; как и паркет с камнем, его можно уложить на теплый пол. Выберите готовый рисунок бордюра в магазине паркета «Эпоха Стиля», или предложите свой.

Студия-мастерская «Эпоха стиля» предлагает паркет ручной работы, изготовленный по старинным технологиям искусными мастерами Европы и России из редких элитных пород древесины. Это полы удивительной красоты. Небольшие мастерские, в которых создается наш паркет, больше походят на научные лаборатории, чем на деревообрабатывающие цеха. Мы изготавливаем паркет по индивидуальному, разработанному специально для Вас, дизайн-проекту, в единичном исполнении. В ассортименте нашего магазина вы найдете уникальную паркетную продукцию, в том числе паркет из старинных дубовых досок, выдерживавшихся в особых условиях более 300 лет (древесина поставляется из Европы, где традиции деревообработки не прерывались веками). Только такие полы придадут интерьеру глубокой колорит старины, создадут в Вашем доме атмосферу изысканности и тонкого вкуса.

Мы также рады представить Вам художественный щитовой паркет, изготовленный по тем же эскизам, что и полы знаменитых замков и дворцов Европы, или по индивидуальному проекту. Кроме того, у нас Вы найдете паркет ручной работы, изготовленный в мастерских тосканских ремесленников (Италия)

Новости

27 ноября 2013 г.
Паркет с камнем для теплого пола!
Паркет с камнем для пола с подогревом — новинка студии паркета «Эпоха стиля»! Достоинства этого паркета:
— устойчивость к перепадам температуры (за счет специальной термической обработки массива дерева)
— увеличенная теплоотдача (по сравнению с массивом дерева)
— пожарная безопасность и экономия (за счет снижения температуры теплоносителя)
— экологичность (мы используем только сертифицированные материалы, прошедшие проверку на экологическую безопасность)
— атмосфера изящества и уюта в вашем доме

Все события

Исторические эпохи по порядку. Эпохи в искусстве по порядку

Историческая периодизация – незаменимая вещь как в науке, так и в повседневной жизни. Существуют определенные эпохи, которые охватывают конкретные временные промежутки. Их названия были придуманы совсем недавно, после того как человек смог посмотреть в ретроспективу, оценить и разделить на этапы прошедшие события. Сейчас мы рассмотрим все эпохи по порядку, узнаем, почему они именно так были названы и чем они характеризуются.

Почему существует историческая хронология?

Данный прием был разработан исследователями неспроста. Во-первых, каждый отдельный период характеризуется особыми культурными направлениями. Для каждой эпохи свойственно свое мировоззрение, мода, структура общества, тип построения бизнеса и многое другое. Рассматривая эпохи человечества по порядку, можно также обратить внимание на то, что для каждой из них характерны отдельные виды искусства. Это и музыка, и живопись, и литература. Во-вторых, в истории человечества действительно были так называемые переломные моменты, когда кардинально менялась мораль, устанавливались новые законы. Это, конечно же, влекло за собой смену пристрастий, которые проявлялись в искусстве. На такие перемены могли влиять революции, войны, научные открытия, учения великих философов и деятелей церкви. И сейчас, прежде чем мы рассмотрим все исторические эпохи по порядку, отметим, что подобную кардинальную перемену наше общество пережило совсем недавно. Научно-технический прогресс полностью перевернул наши представления об общении, источниках информации и даже о работе. И причиной тому является Интернет, без которого десять лет назад все обходились, а сегодня он является частью жизни каждого.

Античный период

Историю первобытного общества мы опустим, так как единой идеологии в то время, религии или хотя бы системы письменности попросту не существовало. Поэтому, когда рассматриваются эпохи человечества по порядку, начинают именно с античного периода, ведь в это время появились первые государства, первые законы и мораль, а также искусство, которое мы изучаем до сих пор. Период начался примерно в конце 8-го века до н. э. и продлился до 476 года – даты падения Римской империи. В это время появилась не только политеистическая религия с четкой фиксацией всех божеств, но и система письменности – греческая и латинская. Также в этот период в Европе зародилось такое понятие, как рабство.

Средние века

Даже когда в школе рассматривают эпохи по порядку, особое внимание уделяют изучению средневековья. Период начался в конце 5-го века, а вот даты его окончания, хотя бы примерной, не существует. Некоторые полагают что он закончился в середине 15-го века, другие уверены, что средние века длились до 17-го столетия. Эпоха характеризуется огромным подъемом христианства. Именно в эти годы произошли великие крестовые походы. Наряду с ними зародилась инквизиция, которая истребляла всех противников церкви. В средневековье возникла такая форма рабства, как феодализм, которая существовала в мире еще много столетий спустя.

Ренессанс

Эту эпоху принято выделять как отдельную, но многие историки полагают, что Возрождение – это, так сказать, светская сторона средневековья. Суть заключается в том, что в конце 14-го века люди стали взывать к гуманности. Вернулись некоторые античные правила и мораль, инквизиция постепенно сдала свои позиции. Это проявлялось и в искусстве, и в поведении общества. Люди стали посещать театры, возникло такое понятие, как светский бал. Ренессанс, как и Античность, зародился в Италии, и сегодня тому подтверждением являются многочисленные памятники архитектуры и искусства.

Барокко

Когда мы рассматриваем непосредственно эпохи истории человечества по порядку, барокко, хоть и недолго продлилось, заняло важную ветвь в становлении искусства. Ниже мы рассмотрим его более подробно, но пока что отметим следующее. Эта эпоха стала логическим завершением Ренессанса. Можно сказать, что тяга к светским развлечениям и прекрасному разрослась до невероятных масштабов. Появился архитектурный одноименный стиль, которому свойственна помпезность и вычурность. Подобная тенденция проявилась и в музыке, и в рисунке, и даже в поведении людей. Эпоха барокко продлилась с 16-го по 17-й века.

Классицизм

Во второй половине 17-го века человечество решило отойти от столь пышной праздности. Общество, как и искусство, которое оно творило, стало канонизированным и подогнанным под четкие правила. Классицизм стал проявляться в оформлении зданий и интерьера. В моду вошли прямые углы, ровные линии, строгость и аскетичность. Театр и музыка, которые были на пике своего культурного развития, также были подвержены новым реформам. Появились определенные стили, которые направляли авторов в то или иное русло. Ниже мы рассмотрим эпохи в искусстве по порядку и более детально узнаем, что собой представлял классицизм.

Романтический период

В 18-м веке люди словно заразились манией красоты и неземных фантазий. Этот период считается самым загадочным в истории человечества, эфемерным и оригинальным. В обществе появилась тенденция, в соответствии с которой каждый человек – это отдельная духовно-творческая личность, со своим внутренним миром, переживаниями и радостями. Как правило, когда историки представляют культурные эпохи в хронологическом порядке, одно из самых важных мест отводится именно романтизму. В этот период, который продлился до 19-го века, появились уникальные шедевры музыки (Шопен, Шуберт и др.), литературы (знаменитые французские романы) и живописи.

Просвещение

Параллельно с романтизмом в искусстве совершенствовалось и само общество. Когда перечисляют все эпохи по порядку, как правило, за классицизмом ставят именно Просвещение. Наряду с развитием науки и искусства в конце 17-го века в обществе с огромной скоростью начал повышаться уровень интеллекта. Это выражалось в отказе от ортодоксальных религиозных норм. Взамен сакральных знаний пришла логика и светлый разум. Это здорово подорвало авторитет аристократии и правящих династий, которые во многом ссылались на помощь церкви. Эпоха Просвещения стала точкой зарождения новой философии, основанной на математике и физике. Произошел ряд астрономических открытий, которые опровергли многие религиозные догмы. Эпоха Просвещения коснулась не только Европы, но и России, а также Дальнего Востока, и даже Америки. В этот период во многих державах отменили крепостное право. Также стоит отметить, что в 18-19-м веках впервые в научных и государственных заседаниях стали принимать участие женщины.

Новейшее время

Мы кратко перечислили все исторические эпохи по порядку и подошли к 20-му столетию. Этот период знаменит расцветом различных направлений в искусстве, многочисленными государственными переворотами и сменами режимов власти. Потому с исторической точки зрения данная эпоха называется Новейшим временем. С начала 20-го века, можно сказать, общество стало полностью равноправным. Искоренилось рабство во всем мире, установились четкие границы государств. Такие условия стали оптимальной средой для развития не только искусства, но и науки. Мы ныне живем в эту эпоху, поэтому, для того чтобы ее детально рассмотреть, достаточно лишь оглянуться.

Краткие итоги

После того как мы представили все эпохи всемирной истории по порядку, описали их, узнав, каким было наше общество в том или ином веке, переходим к изучению прекрасного. Ведь параллельно со становлениями законов и границ государств формировалось искусство, которое для многих является основным определяющим фактором для разделения истории человечества на отдельные периоды. Ниже мы представим эпохи в искусстве по порядку, охарактеризуем их и сможем сопоставить четкую картину того, как формировалось наше общество с самого начала времен. Для начала мы обобщенно перечислим основные «эры», а после разделим их на отдельные отрасли. Ведь не всегда музыкальные периоды совпадают по временным рамкам с одноименными периодами в литературе или, скажем, в живописи.

Искусство: эпохи в хронологическом порядке

Древний период. С момента возникновения первых наскальных рисунков заканчивая 8-м веком до н. э.
Античность – с 8-го века до н. э. до 6-го века н. э.
Средневековье: романский стиль и готика. Первый датируется 6-10-м веками, а второй – 10-14-м вв.
Возрождение – знаменитые 14-16-й века.
Барокко – 16-18-й века.
Рококо – 18-й век.
Классицизм. Формировался на фоне прочих направлений с 16-го по 19-й век.
Романтизм – первая половина 19-го века.
Эклектизм – вторая половина 19-го столетия.
Модернизм – начало 20-го века. Стоит отметить, что модерн – это общее название для данной творческой эпохи. В разных странах и в различных направлениях искусства формировались свои течения, о которых расскажем ниже.

О чем расскажет перо… У истоков письменной речи

Теперь рассмотрим литературные эпохи в хронологическом порядке: древний этап (Античность и Восток), Средневековье, Ренессанс, Классицизм, Сентиментализм, Романтизм, Реализм, Модернизм и современность. Впервые литературные творения стали появляться в Греции, Риме, а также в странах Востока. Именно в этих державах возникла первая письменность. В античном мире стали появляться мифы – про Геракла, про Зевса и прочих богов, про титанов и гигантских птиц. Позже появились первые философы, мыслители и писатели. Это Гомер, Сафо, Эсхил, Гораций. Данный жанр ныне именуется лирикой, но часто на такие рассказы ссылаются как на исторический достоверный источник. Мир Древнего Востока знаменит лишь своими поучительными стихотворениями. Однако не будем забывать, что именно в этой части света в древние времена появилась важнейшая книга человечества – Библия.

Средние века и эпоха Возрождения

Четкой границы между этими периодами нет, да и она не нужна. Ведь в годы, когда Европа только начала образовываться как государственная система, людям было не до искусства. Первые проявления творчества в средние века душились церковью. Потому литературное наследство, которое досталось нам с тех лет, – это лишь рыцарский эпос. Тут можно назвать «Песнь о моем Сиде», «Песнь о Роланде» и «Песнь о Нибелунгах». Несколько веков спустя наступает Возрождение, и миру становятся известными такие фамилии, как Шекспир, Данте, Боккаччо, Сервантес. Их рассказы можно назвать свободными, так как нет четкой структуры, а в центре событий находится человек и его чувства. Это и есть главная характеристика эпохи Ренессанса.

Формирование строгих канонов

Когда мы перечисляем эпохи по порядку, век за веком, все становится на свои места, кроме Классицизма. Он будто существует вне времени, пространства, на фоне остальных течений. С того момента, как классика стала основой для творчества европейских авторов, появился ряд закономерностей в написании литературных произведений. Они четко делились на жанры: ода, сатира, трагедия, комедия, эпопея, басня. Можно сказать, что с тех пор были установлены границы творчества, которыми мы пользуемся и сегодня (обратите внимание хотя бы на кинематограф).

Сентиментализм и романтизм

Эти два течения будто дополняют друг друга. Они славятся своими романами, где описываются переживания героев, их душевное состояние, вкусы и интересы. Среди авторов романтизма красными буквами прописаны такие фамилии, как Бальзак, Диккенс, Гофман, Виктор Гюго, сестры Бронте, Марк Твен, В. Скотт и многие другие. В более поздние годы романтизма творили такие авторы, как Оскар Уайльд и Эдгар Аллан По. Их рассказы уже лишены сентиментальности, но наполнены глубокой философией.

Реализм и модернизм, а также современная литература

На стыке 19-го и 20-го веков появилось множество течений в литературе. В нашей стране они получили название Серебряного века, в других просто именовались в соответствии со стилем конкретного произведения. Наиболее популярным стал символизм и декаданс. Представителями этих направлений стали такие авторы, как Верлен, Бодлер, Рембо, Блок. В России немалой популярностью пользовался акмеизм. Его главной представительницей была Анна Ахматова. С тех пор литература стала максимально реалистичной. Люди отказались от внутренних переживаний и иллюзий. С начала 20-го века и до наших дней авторы описывают любые события с максимально реалистичной точки зрения, учитывая все новшества прогресса.

Изобразительное искусство

Теперь пришло время рассмотреть все эпохи в живописи по порядку. Отметим сразу, что их тут куда больше, чем в литературе, потому к каждой из них обратимся кратко и лаконично.

Пещерная живопись.
Искусство Древнего Египта и стран Ближнего Востока.
Крито-микенская культура.
Античные рисунки и письменность.
Средневековье: иконопись и готические иллюстрации на религиозную тематику.
Возрождение. Яркими представителями являются Микеланджело, да Винчи и др.
С 18-го века в живописи появляется стиль барокко. Ярко выражен в картинах Караваджо.
Классицизм, который и в изобразительном искусстве формировался с 16-го века, воплотился в работах Пуссена и Рубенса.
Романтизм проявил себя в полотнах Делакура и Гойи.
В конце 19-го века появился импрессионизм. Ярким его представителем считается Ван Гог, а наряду с ним выступают Гоген, Лотрек Мунк и другие.
В 20-м веке живопись поделилась на соцреалистичную и сюрреалистичную. Первое течение развивалось исключительно в России. Второе же покорило весь мир. Оно наглядно просматривается в картинах С. Дали, П. Пикассо и других художников этого времени.

Стиль Регентства — Википедия

Стиль Регентства — архитектурный стиль Великобритании, появившийся в эпоху Регентства (начало XIX века, когда Георг IV был принцем-регентом). Параллельно этому стилю в землях Германии развивался стиль бидермейер, в США — федеральная архитектура, во Франции — ампир

[1]. Стиль Регентства также использовался в дизайне интерьера и декоративном искусстве, для которых характерны элегантная мебель и обои с вертикальными полосками. В одежде для мужчин образцом служил денди Бо Браммелла, для женщин — силуэт ампир.

Стиль Регентства является поздней фазой Георгианской архитектуры (назван в честь четырёх королей Георгов 1714—1830 годов) и тесно связан с неоклассическим стилем предыдущих лет, который продолжал оказывать влияние. Эпоха регентства продолжалась с 1811 по 1820 годы, но в архитектуре датировка шире: до 1811 и после 1820 годов^[2]. Правление следующего короля Вильгельма IV с 1830 по 1837 годы не получило отдельного стилистического обозначения. Стиль Регентства проявился в архитектуре домов с увеличением числа элементов эклектичных нео-стилей — от готики до греческого и индийского, как альтернатива ведущему неоклассическому течению.

В начале своего развития стиль отметился значительным снижением строительства из-за наполеоновских войн, в результате которых ликвидировались государственные расходы на строительство, наблюдалась нехватка импортируемой древесины и повышение налогов на прочие строительные материалы^[3]. В 1810 году разразился крупный финансовый кризис, и единственным надёжным капиталовложением стали дома, по крайней мере, в Лондоне, из-за снизившегося строительства^[4]. После победы в битве при Ватерлоо в 1815 году войны прекратились, и наступил длительный финансовый бум на фоне возросшей уверенности британцев. Большая часть архитектуры эпохи Регентства относится к этому периоду

[5].

Церковь All Souls Church Джона Нэша, Лэнгхем-плейс, Лондон

Многие здания в стиле Регентства оштукатурены и выкрашены в белый цвет, главный вход и парадная дверь (обычно чёрного цвета) дополнены двумя колоннами. В городских центрах господствует блокированная застройка и возведение полумесяцем. Элегантные кованые балконы и эркеры вошли в моду как часть этого стиля. Загородный особняк «вилла» возводился разных размеров и, в отличие от более скромного и негабаритного георгианского строения средних классов, украшался в классической традиции с оттенком палладианства.

Большим загородным домам был доступен целый ряд живописных стилей, неготика приобретала популярность, и многие архитекторы обращались к различным стилям по требованию заказчиков. Эшридж (до 1817), Бивер-Касл и Фонтхиллское аббатство (до 1813 года, ныне разрушено) принадлежали Джеймсу Уайетту, кто в поздние годы специализировался на экстравагантных готических домах. Сецинкот-хаус (1805) спроектирован Сэмюэлем Пепис-Кокереллом в индо-сарацинском стиле для вернувшихся из Британской Индии «набобов»^[6]. Королевский павильон (до 1822 года) Джона Нэша — приморский дом принца-регента внешне напоминает индийскую архитектуру, но в интерьерах присутствуют намёки шинуазри работы Фредерика Крейса

[7].

До принятия Закона о церковном строительстве 1818 года возведение церквей оставалось на низком уровне более 50 лет. По закону, на бюджетные деньги строились новые церкви с 1820 до 1850-х годов. Построенные церкви в начале развития стиля Регентства отметились преобладанием неоткой в сочетании с классицизмом. Здания строгого нео-греческого стиля разбавлялись модифицированными барочными и римскими неоклассическими традициями^[8]

В этот период строились многочисленные общественные здания

[9]. В Лондоне в 1813—1819 годах за счёт частных пожертвований и п платы за проезд построены три моста через Темзу: Воксхолльский, Ватерлоо и Саутуорк^[10] . Магазины начали систематически включаться в новый строительный процесс, отчего была представлена крытая аркада магазинов, самой ранней из которых стала аркада Берлингтон в Лондоне (1815—1919)^[11].

Дом Кларенса работы Джона Нэша

Джон Нэш — яркий представитель стиля Регентства, проектировавший террасы Риджентс-парка и Риджент-стрит в Лондоне. Его ученики распространяли его стиль, некоторые, вроде Пьюджина, выступали против. В Лондоне сохранились целые улицы стиля: районы Виктория, Пимлико, Мейфэр и другие центральные районы

[12]. Джон Соун был одним из многих европейских экспериментаторов в неоклассицизме, оставаясь индивидуалистом; фрагменты его зданий заимствовались другими архитекторами^[13].

Общественные здания Джорджа Дэнса-младшего, городского архитектора Лондона с 1768 года, предшествовали стилю Регентства, хотя сам архитектор редко проектировал после 1798 года. Роберт Смёрк работал как в стиле классицизма (Британский музей), так и в готике, возводя преимущественно общественные здания. Вместе с Нэшем и Соаном он входил в Совет работ на пике развития стиля Регентства. В конкурсе на расширение Виндзорского замка для короля стоимостью более миллиона фунтов, что в три раза превышало первоначальный бюджет, приняли участие Смёрк, Нэш, Соун и Джеффри Уайтвилл, который в итоге выиграл конкурс.

Стиль Регентства охватывал не только Лондон. Некоторые из наиболее сохранившихся городов — новые курортные города, пытающиеся подражать успеху Бата, Сомерсета и Бакстона. Брайтон и другие прибрежные курорты стали модными, расширились другие города — Ройал-Лимингтон-Спа в Уорикшире, пригород Клифтона в Бристоле, Танбридж Уэллс, Ньюкасл-апон-Тайн и Челтенхем^[14].

Прекрасные примеры стиля доминируют в Брайтон-энд-Хов в Восточном Суссексе; в частности в его поместьях Кемп-Таун и Брансвик (Хов)

[15].

Park Crescent, Лондон
Дома регентства, теперь муниципальные здания в Челтенхеме
Lansdowne Crescent Royal Leamington Spa
Пригородная «вилла» в Эдгбастоне, пригород Бирмингема, 1820-е годы

↑ The Encyclopedia Americana, Grolier, 1981, v. 9, p. 314
↑ Summerson, 135
↑ Summerson, 135
↑ Summerson, 166
↑ Summerson, 135, 146, 189—191, 206, 225—233
↑ Norwich, 248—249
↑ Norwich, 631
↑ Summerson, 212—221; Strong, 503—504
↑ Summerson, 189—203, 225—251; Strong, 504—505
↑ Summerson, 233—236
↑ Summerson, 259—260
↑ Summerson, 162—180; Strong, 502
↑ Summerson, 95-97
↑ Stong, 503, quoted; Norwich, 222—223
↑ Norwich, 630—631

Esher, Lionel. The Glory of the English House. — Barrie and Jenkins, 1991. — ISBN 0712636137.
Jenkins, Simon. England’s Thousand Best Churches. — Allen Lane, 1999. — ISBN 0-7139-9281-6.
Jenkins, Simon. England’s Thousand Best Houses. — Allen Lane, 2003. — ISBN 0-7139-9596-3.
Musson, Jeremy. How to Read a Country House. — Ebury Press, 2005. — ISBN 009190076X.
John Julius Norwich. The Architecture of Southern England. — London: Macmillan, 1985. — ISBN 0333220374.
(Sir) John Summerson. Georgian London. — Barrie & Jenkins, 1945 (1988 revised edition). — ISBN 0712620958.

Эпоха Возрождения — стиль Ренессанс в одежде и архитектуре.

Стиль Ренессанс — Эпоха Возрождения. Одна из самых значимых эпох в истории человечества. Эпоха, подарившая миру таких знаменитых художников (да и не только художников, а мастеров на все руки), как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, всё же больше скульптор Микеланджело Буонарроти.

«Витрувианский человек» Леонардо да Винчи

Возрождение. XV-XVI века. В это время Европа проснулась от средневековой спячки, ей вновь стала интересна культура забытой античности – Древней Греции, Древнего Рима. Европейцев вновь стала интересовать наука, изучение человеческого тела. Их вновь стали интересовать перспектива и симметрия, гармония.

Стиль Ренессанс. Свои истоки культура Ренессанса берёт в Италии, и совершенно не случайно, ведь именно на территории Италии когда-то располагалась Римская империя. А настоящей колыбелью культуры Возрождения станет Флоренция.

Беноццо Гоццолиизобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи

В архитектуре, в живописи, в скульптуре, во всём творцы той эпохи искали пропорции, симметрию, гармонию. Именно в эпоху Возрождения картины становятся реалистичными, ведь средневековые миниатюры больше напоминали детские рисунки, они были плоскими, а изображения людей времён средневековья отличались достаточно большим объёмом головы по сравнению с телом. В средневековой Европе главной всегда оставалась духовность, но никак не тело. В период Возрождения всё меняется, теперь и телу придаётся определённое значение, тело должно быть также красиво, как и дух. Именно в эпоху Возрождения художники и скульпторы вновь учатся создавать произведения, в которых будут отражены реальные пропорции человеческого тела.

Ренессанс диктует и свои каноны, идеалы женской красоты. Идеалом того времени были: высокий рост, широкие плечи, тонкая талия, плюс белые зубы, красные губы, благородные движения и статная фигура. Но при тонкой талии ни в коем случае женщина того периода не должна была быть худой, нет, наоборот, она должна была обладать пышным телом с не менее пышной грудью.

И ещё, именно в эпоху Возрождения, именно в Италии появляется мода на блондинок. Белокурые локоны считаются идеалом женской красоты, и все модницы той поры всячески пытаются достичь подобного цвета волос. Волосы приводили в нужный цвет либо при помощи окраски, либо при помощи париков, сделанных из накладных волос ярко-жёлтого цвета.

Ещё одним критерием красоты в эпоху Ренессанса служил высокий, гладкий, не скрытый волосами, а только обрамлённый ими лоб. Наличие бровей не считалось красивым, и они выщипывались, причём как женщинами, так и мужчинами. На лицо наносилась косметика. Екатерина Сфорца даже создала целое пособие с правилами нанесения грима на лицо. Но при этом косметика была не столь обязательной, в эпоху Возрождения особое значение придавалось естественности, подчёркиванию природной красоты человека.

«… Волосы женщин должны быть нежными, густыми, длинными и волнистыми, цветом они должны уподобляться золоту или же меду, или же горящим лучам солнечным. Телосложение должно быть большое, прочное, но при этом благородных форм. Чрезмерно рослое тело не может нравиться, так же, как небольшое и худое. Белый цвет кожи не прекрасен, ибо это значит, что она слишком бледна; кожа должна быть слегка красноватой от кровообращения… Плечи должны быть широкими… На груди не должна проступать ни одна кость. Совершенная грудь повышается плавно, незаметно для глаза. Самые красивые ноги — это длинные, стройные, внизу тонкие с сильными снежно-белыми икрами, которые оканчиваются маленькой, узкой, но не сухощавой ступней. Предплечья должны быть белыми, мускулистыми …».
Из трактата Аньоло Фиренцуолы.

Кстати, ещё одной особенность моды Ренессанса стало появление многочисленных работ, посвящённых красоте, а также правилам, к примеру, правилам создание причёсок, можно сказать, впервые моду стали описывать.

Что касается волос, то в женские причёски также вплетались ниточки кораллов и жемчуга, волосы украшались специальными накидками и сеточками, что можно увидеть и на многих картинах художников той поры.

Стиль Ренессанс — Женский костюм
Женский костюм состоял из нескольких платьев, обязательным было наличие верхнего и нижнего платья с длинными рукавами. Верхнее платье имело широкие рукава и называлось оно гамурра. Флоренция, колыбель итальянского Возрождения, славилась производством суконных тканей, которые ею широко продавались по всей Европе, но при этом сами жители Флоренции отдавали предпочтение совершенно другим тканям – парча, бархат, шёлк.

Платье эпохи Возрождения воплощает телесность и объёмность, его фалды – широкие и симметричные, и главное – лиф и юбка платья должны гармонировать между собой, они должны быть пропорциональны, в их сочетание должен соблюдаться идеал «равновесия отдельных частей человеческого тела». Лиф платья – зашнурованный с маленьким овальным вырезом
женская одежда эпохи Возрождения» border=»0″ />

Но у платьев были и достаточно глубокие декольте, распространённым становится так называемое «бродячим декольте», которое при движении могло съехать с одного плеча на другое, переместиться на спину или же «случайно» при ходьбе обнажить грудь.

Платья обильно декорируются, имеют множество деталей: вышивка, дорогое кружево, отделка из меха и драгоценных камней, которые также свидетельствуют и о высоком положении тех, кто одевает подобные наряды.

О богатстве дамы свидетельствовал и …рукав платья, который был узким и имел разрез изначально на локтях, а затем и в пройме, обнажая нижнее бельё. Нижнее белое бельё, ведь в то время белые ткани считались одними из самых дорогих.

Стиль Ренессанс — Мужской костюм.
В эпоху Ренессанса молодые люди и франты ходили в коротком костюме, основой которому послужила античная туника, её теперь лишь снабдили рукавами и некоторыми, часто декоративными деталями. Плюс появляются и округлые симметричные фалды. Такой костюм был длиной до колена, а иногда и короче. Под него одевались облегающие штаны-чулки, пошитые из материала разного цвета.

Также именно в эпоху Возрождения появляется и длинный плащ с вшитыми рукавами и широким воротником. Со временем подобный плащ стал эмблемой учёных и пожилых людей. И по сей день его используют как официальную одежду для различных университетских церемоний. Впрочем, это совершенно не случайно, ведь именно в эпоху Возрождения появляется интеллигенция – врачи, юристы, учёные, именно в эпоху Возрождения появляется возможность зарабатывать на жизнь исключительно умственным трудом.

http://ru.wikipedia.org
http://mylitta.ru/534-renaissance.htm
http://www.ms77.ru/articles/fashion…nce/ital/14946/ http://www.liveinternet.ru/users/4723908/post230222564/

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

25.Художественные стили эпохи европейского средневековья. Романская эпоха и готика..

Средневековое мировоззрение обусловило специфические черты художественной культуры и искусства этой эпохи:

Обращенность к Богу. Искусство должно было приближать человека к Богу.
Символизм. Произведение искусства в целом и любой его элемент являлись знаками, образами сверхъестественной реальности.
Умозрительность. Живопись, скульптура, архитектура, литература носили в Средние века характер учительства и напоминания. Произведение искусства — текст, который должен был поучать. Назидательный характер носила средневековая литература: жития, притчи, поучения. В театральном искусстве назидателен жанр моралите — дидактическая пьеса с аллегорическими персонажами. В музыке непрерывная, текучая, лишенная индивидуальности мелодическая линия должна была освобождать от власти повседневности.
Распространенность образа страдающего и оскорбленного человека. Во всех жанрах и видах средневекового искусства особенно часто встречаются сюжеты мученичества.

В эпоху Средневековья в Европе складываются первые художественные стили. В X—XII вв. в западноевропейском искусстве складывается романский стиль.

Для романского стиля характерна массивность, строгость и отсутствие излишеств, а также суровость внешнего облика. Романская архитектура знаменита тяжеловесными замками и храмами, скорее напоминающие неприступную крепость в духе Средневековья. В романском стиле доминируют мощные стены, массивные полукруглые двери, толстые колонны, кресто- или бочкообразные своды, полукруглые или круглые окна. Пол – мрамор, плитка с рисунком. Зеркала – шифоновая бронза. Стены – венецианская штукатурка. Роспись (религиозные мотивы).

В интерьере романского стиля также скорее мощь, нежели изящество. Все элементы интерьера производят ощущение простоты и тяжести, почти отсутствие декоративных украшений комнат.

Для романских зданий характерны мощные стены и колонны за счет тяжелых сводов. Основной мотив интерьера — полуциркульные арки. В целом заметна рациональная простота конструкций, однако ощущение тяжести романского собора носит угнетающий характер.

Основные элементы Романского стиля:

рельефная плоскость, лаконичность и простота;
цвета: коричневый, красный, зеленый, белый, серый, черный;
бочарные, полуциркульные, прямые, горизонтальные и вертикальные линии;
прямоугольные и цилиндрические формы;
полуциркульный фриз, повторяющийся геометрический или растительный рисунок; залы с открытыми потолочными балками и опорами по центру;
каменные, массивные, толстостенные конструкции;
замковая и рыцарская тематика – факелы, доспехи, гербы, бои, оружие. История Романского стиля

Романский стиль (от лат. romanus — римский) в искусстве возник примерно в 800 году, после падения Римской империи и завершения великого переселения народов. Источником для появления нового стиля послужили Византийский стиль, искусство народов севера Европы и раннехристианские формы. Развивался в западноевропейском искусстве X—XII веков.

Романский стиль впитал многочисленные элементы раннехристианского искусства, меровингского искусства, культуры «каролингского возрождения» (а, кроме того, искусства античности, эпохи переселения народов, Византии и мусульманского Ближнего Востока). В отличие от предшествующих ему тенденций средневекового искусства, носивших локальный характер, Романский стиль явился первой художественной системой средневековья, охватившей (несмотря на вызванное феодальной раздробленностью огромное многообразие местных школ) большинство европейских стран.

Романский художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в X—XII вв. (в ряде мест — и в XIII в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства.

Вся эстетика возрождения берет свое начало из искусства Средневековья. Эстетика Средневековой эпохи отличается высокой степенью теологичности. Таким образом, эстетические понятия Средневековья берут свое начало и завершение в Боге. Следует также отметить, что в раннем романском стиле прослеживается влияние римского мыслителя и философа Аврелия Августина, жившего в период с 354 по 430 год нашей эры. Аврелий Августин превосходно чувствовал красоту, был чувственным экспрессивным человеком и при этом, будучи христианином, понимал, что божественная красота намного превосходит зримую, земную красоту. Именно этот мыслитель обратил свое внимание на то, как в мире соотносится безобразное и прекрасное. Для Августина формой красоты было единство, в котором выдерживалось помещение. Романский стиль зародился в период средневековья, в начале X века и продлился ориентировочно до XII века. Наибольшее распространение романский стиль получил в Германии и Франции.

Сам термин Романский стиль появился в начале XIX века, когда была установлена связь архитектуры XI—XII веков с древнеримской архитектурой, от части за счет использования полуциркульных арок и сводов. Термин, хоть и условен, но вошёл в массовое употребление. Развитие Христианской церкви на обломках Римской империи послужило популяризации Романского стиля. Во все уголки Европы двинулась монашествующая братия, возводя церкви и монастыри в Романском стиле. Среди монахов также были художники и ремесленники, которые своим трудом разнесли этот стиль по всей Европе.

Строения, считающиеся образцами архитектуры этого периода, имеют вид крепостей: это замок-крепость и храм-крепость. Романский стиль отличают толстые массивные стены, узкие окна-бойницы и высокие башни. В период междоусобиц романские церкви могли выдерживать осаду и служить убежищем во время войны. Рыцарские замки строились на возвышенных местах, удобных для защиты от противника, а затем обносились высокими стенами и рвом.

Основными постройками в этот период становятся храм-крепость и замок-крепость. Главным элементом композиции монастыря или замка становится башня — донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм — кубов, призм, цилиндров.

Наиболее известными постройками в романском стиле являются: Либмургский собор в Германии; Пизанский собор и частично знаменитая Пизанская башня в Италии; Кайзерские соборы в Шпейере, Вормсе и Майнце в Германии; Романские церкви в Валь-де-Бой; Церковь св. Якоба в Регенсбурге.

Богоугодный, как представляла его церковь, общественный порядок не был направлен на развитие стиля. За примерно 400 лет существования Романский стиль не получал ни развития, ни скачка технологий в производстве.

Предметы домашнего обихода, ткани и мебель для общества, которое базировалось на ведении натурального хозяйства, изготавливались только под нужды этого хозяйства, абсолютно не давая развитию стиля ничего. Однако, с началом Крестовых походов начался прогресс.

Рыцари и паломники, побывав в Святых землях, увидели всю роскошь востока и захотели частично воспроизвести её на родине.Это послужило толчком к развитию Романского стиля, который позже переродился в Готический стиль.

Особенности Романского стиля

Создатели Романского стиля – скульпторы, архитекторы, живописцы – желали одного: воплощения в своих творениях красоты. Эпоха этого стиля рождает особое чувство прикосновения к вечно длящейся истории, чувство значимости христианского мира. В интерьерах и архитектурных постройках того времени обнаруживается тепло и гармония, плавные формы арок и величественно спокойный декор.

Стены в романском стиле: имитация камня – стены замка. Также в романском стиле можно использовать однотонную штукатурку серого, желтовато-коричневого, бежевого цветов. В ванной комнате/туалете плитка в виде каменной стены. Ощущение мрачности можно разбавить вставками из темных пород дерева, фресками и даже витражами из цветных кусочков стекла. Также в стене можно создать декоративное окно полукруглой вытянутой формы, либо в виде фрески, добавив ощущение крепости.

Потолок в романском стиле: чаще как продолжение стены в виде сводов. Цвет потолка в романском стиле совпадает с цветом стены. Для оживления можно использовать вставки из дерева, но в качестве грубых подпорок, нежели резного украшения.

Пол в романском стиле: отличительная черта этого стиля – облицовка пола мозаикой в основном из натурального камня. Возможно использование керамичесой плитки больших размеров, опять же имитирующей камень. Паркет в романском стиле интерьера используется редко. При его использовании старайтесь выбирать массив темных пород дерева, в тон вставкам на стенах с эффектом старины.

Мебель в романском стиле: Простая и даже примитивна. Самая распространенная: грубые столы, табуреты на трех и четырех ножках, скамьи. Мебель для сидения делали дощатой, добавляли резьбу и кованные железные детали. Спинки стульев и сами стулья достаточно высокие, их величина указывала на знатность происхождения. Мебель в романском стиле часто окрашивали в яркие цвета. Материалом для изготовления мебели в романском стиле служили ель, кедр и дуб.

Основной ошибкой при создании романского стиля интерьераявляется использование мягкой мебели. В те года её не было, а мебель покрывали краской и зачастую обтягивали холстом, затем наносился слой гипса и вся конструкция впоследствии расписывалась красками. Единственным возможным отступлением от правил является кровать. В романский период важная роль отводится кроватям, по конструкции напоминающая рамы на резных ножках. В качестве элегантного дополнения к кровати можно подвесить балдахины, правда в то время их использовали скорее как защиту от холода.

Первое место среди предметов обихода в романском стиле принадлежит сундуку, который использовался как стол, стул и даже кровать, а в основном как место для хранения вещей домашнего обихода. Позже в храмах начинают появляться сундуки с ножками и дверцами, являющиеся своеобразными прародителями современных шкафов. Однако использование шкафов в любом виде считается неприемлемым. Для создания особого штриха в романском стиле интерьера обзаведитесь деревянным сундуком с коваными вставками.

Романский стиль отличается простотой интерьера и материалов, используемых в нем, а также небольшими декоративными деталями. В романском стиле впервые появляется понятие занавесей и штор. Это связано с тем, что пространства во время античности были без окон, а здания в период раннехристианской эпохи имели небольшие окна из цветного стекла, поэтому данные интерьеры не требовали штор. Несмотря на то, что романская архитектура носит тяжеловесный замковый характер и окон там тоже не так много. В ней присутствуют полу- и круглые окна, которые стали украшать поперечными занавесями. Полукруг являлся типичной формой окна в романском стиле, поэтому гардинная жердь или карниз этой эпохи были круглыми. В тоже время резная зигзагообразная линия украшала простую архитектуру внутренних помещений. Карниз или жердь делали из темного дерева, как и мебель. Дополнением к поперечным шторам в интерьере романского стиля присутствовали ковры и тяжелые драпировки, которые служили защитой от холода.

Предметы декора в романском стиле: в качестве украшения стен в романском стиле используются картины, гобелены, настенные светильники в виде свечей. При выборе люстры акцентируйте внимание на её массивность (тяжелый и кованый метал, цепи и т.п.). Преобладающим видом скульптуры был рельеф. Рельефные изображения, большие вазы с рисунками, тапаграми (маленькие террактовые статуэтки) служат дополнением расписному кессонному потолку. Можно дополнить интерьер предметами рыцарского наследия: доспехи, шлем, меч. Отдельным штрихом является наличие камина.

Романский стиль – стиль возрождения традиций Древнего Рима. Стилю присущи тяжелые, закрытые, массивные формы, статичность, плавные формы арок и величественно спокойный декор.

Характерный признак архитектуры монументальность оборонительных укреплений – каменный свод, толстые стены, прорезанные маленькими окнами. В декоре преобладают массивные элементы, лишь необходимый для жизни минимум – кровати, преимущественно с пологами, стулья грубые, из дерева и с высокой спинкой, сундуки, скрепленные металлическими накладками. Уют достигался при помощи отделки тканями и коврами. Обязательный элемент – очаг с навесной вытяжкой.

Примеры :

Архитектура

Церковь Святого Якоба (Германия, Регенсбург)
Пизанский собор (Италия, Пиза)
Церковь Нотр-Дам-ля-Град ( Франция, Пуатье)
Лимбургский собор (Лимбург-на-Лане, Германия)

Живопись

«Бог обращается к Ною» Мастер Сен-Савен сюр Гартан.(12 век, фреска. Церковь ордена бенедиктинцев, Сен-Савен сюр Гартан, Франция)
«Апостол Петр принимает ключ». Мастер перикоп Генриха II. (миниатюра

11 век, Баварская государственная библиотека, Мюнхен, Германия)

Готический стиль (XII — XIV вв.)

Готический стиль — исторический, художественный стиль, господствующий в западноевропейском искусстве в ХII-ХIV вв. «Готическое» означало «варварское», в противовес «римскому», готическим называли искусство, которое не следовало античным традициям. Стиль возник на основе достижений романского искусства, прежде всего архитектуры и христианского мировоззрения.

Термин «готика» появился в эпоху Итальянского Возрождения, как насмешливое название уходящей эпохи средневековья. «Готика» была реабилитирована лишь в начале XIX века романтиками.

В истории искусства выделяют раннюю, зрелую (высокую) и позднюю («пламенеющую») готику.

В отличие от романского периода центрами европейской религиозной, культурной, политической и экономической жизни стали не монастыри, а города. Готическое искусство целиком связано с городом. Городская жизнь порождает новые типы зданий гражданского назначения: биржи, суды, рынки и т.д. Складывается облик городского муниципалитета — ратуши.

Главным типом архитектурных сооружений готики был собор.

Собор был больше, чем место церковной службы, это был центр и средоточие всей общественной жизни. В соборе читались университетские лекции, происходили театральные представления (мистерии), заседал парламент, заключались торговые договоры. Соборы были так велики, что все население не могло бы его заполнить. Готический собор необозрим, часто асимметричен, неоднороден в своих частях: каждый из фасадов индивидуален. Стена не ощущается, ее как бы нет.

Все достижения строительной техники готики подчинены идее создания единого художественного образа собора с его устремленностью вверх, к небу, подчеркнутой высокими легкими башнями, каменным кружевом архитектурных и скульптурных деталей. Основная композиционная доминанта^* готического собора — вертикаль.

Потребности городской жизни побудили преобразовать замкнутый толстый, крепостного типа романский собор — в пространственный, открытый во вне. А для этого надо было изменить саму конструкцию. А вслед за конструкцией изменилась эстетика, т.е. архитектурный стиль. Поворот к готике начался с архитектуры, распространился затем на скульптуру и живопись. Архитектура оставалась неизменной основой средневекового синтеза искусств.

Если сравнивать сооружения романского и готического стиля, кажется, что они противоположны: одно — воплощение массивности, другое — легкости.

В романском соборе в центральном нефе^* — массивный крестовый свод,^* опирающийся на стену с 4-мя столбами по углам. Храм при такой системе не мог быть просторным внутри — он был узким и темным.

Мысль зодчих заключалась в том, чтобы расширить и облегчить систему сводов. Сплошные своды заменяются реберными перекрытиями — системой несущих арок.

Готический храм, сохранив ту же базиликальную^* форму, что и в романский период, имеет новую конструкцию свода, основа которого каркасная^* система с нервюрами.^* Нервюрный свод дает возможность перекрывать не только квадратные, но и прямоугольные пролеты. Для перекрытия пространств и облегчения толщи стен стрельчатая арка,^* заменившая романскую полуциркульную, дополняется контрфорсом,^* на который и переносится тяжесть свода. Внутренние столбы дематериализуются пучками тонких колонн, которые стремительно взлетают вверх и расцветают на своде сложным узором нервюр^* (ребро, складка), уничтожая ощущение массы. Нервюры сходятся в пучки на опорных столбах, на которые теперь концентрируется вся нагрузка перекрытий. Опорные столбы укрепляются контрфорсами^* (опорами стен) и аркбутанами^* (наружная подпорная арка, передающая распор сводов на нижние опоры, помещенные снаружи). Нервюры опираются на пучки узких длинных колонн, похожих на трубы органа, которые возносятся на головокружительную высоту и, плавно расходясь, соединяются, почти сливаются с арками. Но остроконечная арка была неустойчивой, требовалось ее укрепить, уравновесить. Эту главную работу и выполняют вынесенные наружу мощные контрфорсы посредством аркбутанов, переброшенных на контрфорсы от пяты свода. Аркбутаны создают среднее, диагональное давление. Архитектор Виолле де Дюк, (1814-1879, Франция) тщательно изучивший готическую архитектуру считал, что средневековые зодчие с гениальной интуицией применили здесь закон параллелограмма сил. Н.Дмитриева, размышляя о конструкции готического собора делает вывод о том, что «вся воздушность, вся сказочность готического строения имеет рациональную основу: она вытекает из каркасной системы постройки, при которой здание представляет собой каркас, скелет из стрельчатого свода, аркбутанов и контрфорсов. Стена же как таковая ничего не несет, она не нужна для конструкции. Так зачем же ей быть сплошной и глухой? Появляются сквозные галереи, аркады, огромные окна.»

Изменения в архитектуре повлекли изменения в монументальной живописи. Место фресок^* занял витраж^*, живопись из кусков стекла в свинцовой обводке, известная еще в раннем средневековье, но получившая полное развитие в период готики.

Окна — для монументальной живописи из цветных стекол, с изумительным эффектным сиянием густых колеров: красных, синих, лиловых, желтых, во много раз усиленных лучами солнца. Средневековый философ Фома Аквинский назвал «яркость и ясность» в числе главных признаков красоты: «…поэтому добавлял он — мы называем красивыми те предметы, которые окрашены ярким цветом».

На галереях соборов — статуи.

Скульптура стала покрывать весь храм, являя собой род проповеди: это сцены из священного писания, жития святых, литературные назидательные сюжеты и сцены народной жизни.

Расцвет готики — это и расцвет статуарной (скульптурно-монументальной композиции). Э.Кон-Винер пишет о том, что готическая эпоха отличалась невиданной ранее «свободой тела», «освобождением движения во всех направлениях». «Стиль самой жизни стал более взволнованным, кровь стала быстрее обращаться в жилах народа, чем в романскую эпоху. Об этом говорят нам крестовые походы, песни трубадуров и философия того времени… Готика заставляет женщин рыдать над гробом Спасителя, ангелов ликовать — словом, вносит эффект, взволнованность».

Динамика, экспрессия, взволнованность отразились в формах и сюжетах того времени.

«Образ страдающего, оскорбленного человека — затаенный внутренний нерв готического искусства. Готика любит сюжеты, связанные с мученичеством и мучительством: истязание Христа, распятие, оплакивание, страдания, избиение младенцев. Художники не щадят душевного покоя зрителей и пренебрегают «благообразием». До готики искусство знало Христа — доброго пастыря, Христа во славе, Христа — грозного судью» .

Готика трактует миф о Христе, как о сыне плотника, который претерпел великие страдания от власть имущих. Особый иконографический тип «Христа скорбящего», Христос задумавшийся», «Христос — милосердный». Он не на кресте и не во славе. Н.Дмитриева пишет о том, «что готике чужда влюбленность в красоту нормальных, соразмерных форм, гармонических пропорций. Готика предпочитает выражение вдохновенного экстаза в некрасивом, истощенном теле. Бог — отец, бог — создатель всего сущего. Он творит мир и предвидит несчастья. Но никогда, ни в каком религиозном искусстве не изображали бога — творца — подавленным актом творения».

Готические художники знали не только пафос страданий — они умели передавать чувства сострадания, душевной близости, помогающие переносить невзгоды. Они находили язык для этих безмолвных чувств — в наклоне головы, во взглядах. Эту тишину глубокого чувства может выразить не всякое искусство — оно не поддается художественному языку барокко, хотя барокко посвящало себя изображению духовных экстазов.

«Но церковное, католическое барокко^*, с его нарочитой взвинченностью, с умело рассчитанной помпезной экспрессией, утратило ценность непосредственности и народной простоты, а в готике она была, и в этом величие готики».

В большинстве готических соборов скульптурное убранство преобладало над живописью, если не считать витражи.^* Стены были ажурными, поэтому не подходили для фресок. Готическая живопись развивалась, главным образом, в миниатюрах рукописей и в росписях створок алтарей, в огромном количестве рукописных книг, в так называемых бревиариях — книгах с отрывками из Библии, псалмами и гимнами.

В Германии в ХIV в. иллюстрировали книгу любовных песен «Рукопись Манессе» — летопись рыцарского «куртуазного» быта, с турнирами, охотами, подвигами в честь «прекрасной дамы».

Эпоха готики была также периодом интенсивного развития светской культуры. Именно в это время культивируются идеалы духовной любви, возникает лирическая поэзия и музыка, куртуазное искусство, отражающее понятие рыцарской доблести, чести, уважения к женщине.

Но архитектура была главным формообразующим фактором готического стиля.

Готические соборы ни снаружи, ни внутри не кажутся подавляющими. Они рассчитаны на многолюдье; у подножия собора всегда кипела жизнь.

«Готический собор — в большей степени организация пространства, как внутреннего, так и наружного, чем формы. Готическая архитектура не оформляет замкнутое пространство, а превращает все вокруг себя — и земную твердь, и небо — в образно-значительное целое. Об этом хорошо написал О.Мандельштам:

«Кружевом камень будь

И паутиной стань:

Неба пустую грудь

Тонкой иглою рань».

«Стиль готики драматичен, но не мрачен и не уныл; он бурно, темпераментно драматичен!». Еще одна цитата о форме и готическом стиле: «В динамичных формах готики, в остроконечных башнях и ажурных шпилях-фиалах с крестоцветом, витающих над городом, воплощен и молитвенный экстаз, и религиозный мистицизм, а также гордость и мощь человека, побеждающего виртуозной техникой земное притяжение и косную материю».

С конца ХII в. Франция становится центром европейской образованности. Парижский университет занимал одно из ведущих мест в научной жизни Европы. В области архитектуры и изобразительных искусств Франции также принадлежит главенствующая роль.

Франция, особенно ее центр Иль де Франс, по праву считается колыбелью готики. Еще в ХII в. (1137-1151) при перестройке церкви Сен Дени здесь был впервые применен нервюрный^* свод. Самым большим храмом периода ранней готики был Собор Нотр-Дам де Пари (Собор Парижской богоматери) — пятинефный храм, который вмещал до 9000 человек.

Его строительство было начато в 1163 г. и завершено в 1208 году. В середине ХIII в. к собору были пристроены боковые капеллы и увеличен поперечный неф — трансепт^* (арх. Жан де Шелль и Пьер де Монтро), в конце ХIII — начале ХIV в. были пристроены капеллы хора (арх. Пьер де Шелль). Западный фасад в своей конструкции послужил примером для многих последующих соборов: над тремя перспективными порталами последовательно возвышаются так называемая галерея королей, три больших окна с «розой» посредине, две башни. Все части украшены стрельчатыми арками. В конструкции собора Нотр-Дам де Пари отчетливо прослеживаются основные принципы готики: нервюрный стрельчатый свод центрального нефа, высота которого 35 м, стрельчатые окна, аркбутаны.^* Но от тяжеловесной романской архитектуры остались массивная гладь стен, приземистые столбы центрального нефа, преобладание горизонтальных членений, грузные башни, сдержанный скульптурный декор.

Шартрский собор (1194 — 1260 гг.).

Шартрский собор являет собой пример перехода к зрелой готике и соединения разновременных фасадов. «Королевский портал» западного фасада принадлежит первой половине ХII в., в начале ХIII в. завершена южная башня, в ХIV в. — северная. Интерьер собора — чисто готический.

Собор в Реймсе (1212 — 1311 гг.) — блестящий пример зрелой французской готики. Известны его создатели в разное время: Жан д’Орбе, Жан де Луп, Гоше де Реймс, Бернар де Суассон, Робер де Куси. В облике Реймского собора видна тяга к вертикали, что «усиливает буквально целый «лес» пинаклей^* и вимпергов^* (даже «роза^*» на фасаде имеет стрельчатое завершение).

Весь западный фасад декорирован скульптурой, камень приобрел ажурность, напоминает поистине каменное кружево. Однако, в отличие от поздней готики это «кружево» не скрывает конструкцию здания.

Амьенский собор (1218 — 1258 гг.) — самый большой и высокий готический собор во Франции. Его длина 145 м, высота свода центрального нефа 42,5 м. Его строили архитекторы Робер де Люшарш, Тома де Кормон и Рено де Кормон. Амьенский собор часто называют «готическим Парфеноном».

К середине ХIII в. размах строительства во Франции ослабевает.

С ХIV в. начинается период поздней готики, который еще называют «пламенеющей» готикой. Он продлится ХIV и ХV столетия. Позднеготические сооружения перегружены декором, сложной декоративной резьбой и замысловатым узором нервюров (собор в Руане, ХIV-ХV вв.).

Готическое искусство Германии не так едино, как французское. Влияние французской архитектуры заметно и это помещало немецким архитекторам сохранить свое национальное лицо. Немецкая готика сложилась позднее французской. Конец ХIII — начало ХIV — рубеж ранней и высокой готики; конец ХV — начало ХV в. — высокой и поздней.

Немецкие соборы проще в плане, аркбутаны очень редки, своды выше, здание сильнее вытянуто по вертикали, шпили башен очень высоки. Особенность немецкой готики — однобашенные храмы.

Памятниками готической архитектуры Германии являются соборы в Марбурге, Наумбурге, Фрейбурге, Ульме и других городах.

Выдающееся произведение германской архитектуры — собор в Кёльне (начат в 1248 г., строился до ХVI в., башни возведены в ХIХ в., в 1842-1880 гг.). Собор сходен в плане с Амьенским, но своды его выше (высота центрального нефа 46 м, башен — 160 м, соотношение среднего нефа к боковым 5:2), «розу» заменило стрельчатое окно. Скульптурный декор применяется больше в интерьере. Он выполнен из камня, дерева, бронзы, стука.

Самым знаменитым циклом скульптур периода готики считается декор собора в Наумбурге. Рельефы «Страстей Христовых» полны необычайного драматизма, реальности происходящего, пронзительной достоверности. В помещении хора установлены двенадцать статуй основателей храма, его донаторов. Это целая скульптурная галерея человеческих характеров, каждая со своей неповторимой индивидуальностью, и одновременно типы человеческих характеров той эпохи.

Готика Англии возникла в конце ХII в., просуществовала до ХV в. Ранний образец английской готики — собор в Солсбери (1220-1270 гг.), воспетый позже в пейзажах Констебла. Это трехнефный собор длиной в 140 м, с большим хором, двумя трансептами^* и прямоугольной апсидой.^* Башня средокрестья самая высокая в Англии, — 135 м.

Кентерберийский собор (ХII-ХV вв.) — главный храм английского королевства, резиденция архиепископа Кентерберийского, национальная святыня — демонстрирует развитие английской готики от ранней к поздней. Собор Вестминстерского аббатства в Лондоне, место коронации и погребения английских королей, усыпальница великих людей Англии, близок к французской готике.

Готическая скульптура Англии чисто декоративна, подчинена архитектуре.

Монументальная готическая живопись развита слабо, наиболее интересна книжная миниатюра, здесь много элементов подлинной реальной жизни (светские хроники, богослужебные книги).

Особое место в европейской художественной культуре ХIII-ХIV вв. занимает Италия. Там уже были созданы условия для возникновения культуры Ренессанса — Проторенессанс. В Италии получили воплощение отдельные элементы готики: стрельчатые арки, «розы». Основа была романской. Пример поздней итальянской готики — Миланский собор, самый большой в Европе (1378 — ХV в., закончен в ХIХ в.). Он вмещал в себя до 40000 человек. Его строили итальянские, немецкие, французские зодчие. Весь собор покрыт скульптурной резьбой.

В Италии много гражданских построек периода готики. Украшением Венеции являются ее мраморные дворцы с аркадами.^* Наиболее известный из них — Дворец дожей (правителей Венеции), 1310-е — ХVI в. — яркий символ многовековой венецианской истории.

Искусство средневековья выдвинуло новые эстетические идеалы, новый круг идей и образов, новые художественные приемы и новое содержание. Питаясь идеями христианства, это искусство глубоко проникло во внутренний мир человека. Огромен интерес искусства средневековья к нравственному облику человека, к тому, что определяется словом «духовность».

Средневековое искусство создало грандиозные художественные ансамбли; оно решило гигантские архитектурные задачи, создало новые формы монументальной пластики и живописи, оно явило синтез этих монументальных искусств. В этом огромный вклад искусства средневековья в мировую культуру. Был создан стиль. Готика подготовила новую эпоху — Возрождение.

онлайн-журнал «СТИЛЬ ЭПОХИ»

11-Ноя-2013

Автор : Надежда Соколова

Режиссер – Тим Кэрролл; в ролях – Стивен Фрай, Марк Райлэнс, Сэмюэль Барнетт, Лиам Бреннан, Пол Чахиди, Джон Пол Коннолли, Иэн Драйсдейл, Джонни Флинн; Великобритания, 2012

Ни для кого не секрет, что с этой осени в Москве, а также в других городах России, проводится так называемый «Театральный киносезон». Его суть заключается в том, чтобы дать возможность многим людям увидеть прославленные современные постановки оперы, театра и балета. Иными словами, российские кинотеатры, помимо фильмов, будут на своих экранах показывать спектакли в оригинальной озвучке и с русскими синхронными субтитрами. Участие в подобной акции принимают мировые площадки, такие как: лондонский «Глобус», Большой Театр, Метрополитен Опера, Королевская шекспировская компания и Национальный театр. Большинство заявленных постановок уже вовсю идет, причем билеты на них разлетаются «как горячие пирожки» — только успевай купить.

В этой статье речь пойдет о пьесе Уильяма Шекспира «Двенадцатая ночь, или Как вам будет угодно», поставленная на подмостках «Глобуса» в 2012 году.

Пожалуй, я не ошибусь, если скажу, что эта комедия не особенно популярна среди читателей, по сравнению с такими «хитами», как «Укрощение строптивой» или «Много шума из ничего». Отнюдь, это нисколько не умаляет ее достоинств.

СССР. Эпоха Большого Стиля. : sell_off — LiveJournal

Начиная со второй половины XX столетия, мы живём в эпоху агрессивного бесстилья. Стили кончились. Мы – это всё человечество, а не только город Москва, как вы поняли. Разумеется, можно тешить себя красивыми буквосочетаниями, вроде «модернизм» и «постмодернизм», а также – «хайтек», но всё это будет лишь наивным оправданием всеобщей эстетической беспомощности – весь этот стекло-бетонный hi-tech являет собой бесконечные перепевы на тему Ле Корбюзье, Ивана Леонидова и Мис ван дер Роэ. В 1920-х сие выглядело авангардным и – прорывным. Сейчас – это просто коммерция, помноженная на желание застройщика сделать «повыше» и впихнуть «всего да побольше». Эпоха многоярусных и полифункциональных бизнес-центров с конторами, бутиками, гаражами, …с прозрачными лифтами и круглосуточной цветомузыкой. Кто-то, несомненно, скажет, что это и есть наша позитивная и победительная красотища – небоскрёб из голубого стекла, нависающий над городом, аки указующий перст. Конечно, многие из этих сооружений интересны и даже – вызывающи. Но это не стиль. Это – проект, дерзкая мыслеформа, демонстрация возможностей – в том числе, финансовых. Всё. Кроме того, архитектура – это всего лишь одна из граней, а ведь есть ещё живопись, скульптура, …промышленный и ландшафтный дизайн, упаковка.

Интересно, что даже глянцевые журналы утверждают, что сейчас нет модных линий, а есть постоянно — как в калейдоскопе – сменяющиеся тренды. Одежда – это всегда логическое продолжение общей стилеобразующей картины (или же её отсутствия). Стиль рождается там, где наличествует единство духа и сознания, на базе которого появляется коллективное эстетическое звучание, точнее — созвучие. При тотальной людской разобщённости, которая и порождает калейдоскопичность трендов (у каждой группки – свой тренд!) ни о каком стилеобразующем компоненте речи быть не может. Возникает вопрос, какой же стиль — из ранее существовавших — мог бы считаться наилучшим отражением нашей коллективной души? Точного ответа не предвидится. Вспоминается один культурологический спор немецких профессоров, которые так и не смогли решить, что же есть германский гений – возвышенно-мистичная готика или же галантное барокко? С русским гением будет ровно то же самое, ибо одни назовут неорусский стиль времён Александра III, другие (совсем небезосновательно) вспомнят советский авангард братьев Весниных, Татлина и Родченко, который во всём мире считается исключительным русским явлением. Третьи скажут, что всё исконно русское закончилось ещё в XIII веке, а четвёртые – самые креативные – заявят, что египетские пирамиды и римский Форум построили прото-русичи, выписанные из Гипербореи для повышения культурного уровня в южных регионах. На мой же взгляд, самым красноречивым и выразительным русским стилем является сталинский Grand Maniere. В его торжествующих формах было зашифровано всё прошлое, настоящее и, как тогда казалось, будущее народа и всего человечества. Именно в советском Большом Стиле гармонично сочетаются аполлоническое и дионисийское начала – строгость и торжественность в сочетании со стихийным культом плодородия и непобедимой витальностью. Это – некая квинтэссенция, высшая точка эстетических предпочтений и переживаний. Что же было наиболее характерно для культуры того периода?

Владимир Паперный в своей программной книге «Культура-2» утверждает, что сталинская цивилизация, вопреки плакатным лозунгам, устремлялась вовсе не в сторону Светлого Будущего. Её идеал – застывшая Вечность, которая была, есть и будет, а Революция явилась тем пунктом, который придал этой Вечности особое направление. Невольно вспоминается культовый и — спорный роман Айзека Азимова «Конец Вечности»: «Как невыносимо трудно бывало ему после этого возвращаться мыслями к Вечности — к миру, в котором Реальность была чем-то мимолетным и изменчивым и где люди вроде него держали судьбы человечества в своих руках, придавая им по желанию лучшую форму!» Но для Азимова существование Вечности оказывалось, в конечном итоге, пагубой для человечества, посему её пришлось разрушить… В реальной жизни всё бывает куда скучнее и прозаичней.
…В небольшом рассказе Юрия Олеши «Стадион в Одессе» 1936 года есть всё, чтобы прочувствовать генеральную мысль Паперного. «Просто воздух, небо, море. Он открывается внезапно – его овал, лестницы, каменные вазы на цоколях, – и первая мысль, которая появляется у вас после того, как вы восприняли это зрелище, это мысль о том, что мечты стали действительностью. Этот стадион так похож на мечту – и вместе с тем так реален. Тридцать пять тысяч мест. Его выстроили трудящиеся Одессы на том месте, где были ямы, поросшие бурьяном и куриной слепотой. Этим видом можно любоваться часами. В сознании рождается чувство эпоса. Говоришь себе: это уже есть, существует, длится. Существует государство, страна социализма, наша родина, её стиль, её красота, её повседневность, её великолепные реальности». Описание обычного спортивного объекта превращается в головокружительный восторг перед бесконечностью времени и пространства. Олеша ухватил эту главную мысль – чувство эпоса, а, как известно, в эпосе, в мифе, в сказке нет явственного, календарно-отмеренного времени, но есть Время, как мощная энергия Мироздания.

В произведениях сталинской эпохи иной раз прослеживается странная концепция времени. Читаем у Гайдара: «А жизнь, товарищи… была совсем хорошая!» Это говоритсявовсе не о прошлом и даже не о настоящем. И, наверное, не о будущем. Это и есть та самая Вечность, которая наступила, и будет длиться бесконечно долго. На журнальных обложках и даже на конфетных обёртках 1930-х годов изображался Дворец Советов, который, как верилось, непременно будет сооружён. Не через год, так через тысячу лет. Какая разница, если мы бытуем в бесконечно-солнечной Вечности, а с её точки зрения миг или столетие – это просто песчинки в Космосе.
В послевоенном детском фильме «Слон и верёвочка» есть примечательный отрывок – бабушка поёт внучке песню о том, как она, будучи сама ребёнком, выходила гулять в сад. Нас тоже погружают в бабушкины воспоминания, и мы видим в старинном парке женщин в кринолинах и нарядную девочку, подбегающую, по-видимому, к гувернантке. Мы пока не будем отвлекаться на странную родословную положительной советской героини, мы обратимся именно к кринолинам, которые вышли из моды …к 1870-му году. Действие «Слона и верёвочки происходит» сразу же после войны. Теперь пытаемся сосчитать, сколько лет должно быть той бабушке. Вы вправе сказать, что это типичная и, увы, всегдашняя безграмотность кинодеятелей. Но это не так – все прекрасно понимали, что детство пожилой дамы пришлось на 1900-е годы, но эпоха, обращённая к Вечности, транслировала именно такие мыслеформы и образы – условно-обобщённая «старинная жизнь» растягивалась на столетия.

Согласно концепции Паперного, человек 1930-х воспринимал себя в качестве наследника всех предыдущих эпох. Он – некий блистательный венец эволюции, а его жизнь – это не физиологическое продвижение от рождения к смерти, а сопричастность вселенской сущности. Поэтому все произведения искусства создаются в расчёте на кажущуюся безграничность бытия. Нам нет преград ни в море, ни на суше. Печальный сказочник Андерсен когда-то написал о своём герое: «Он складывал целые слова из льдин, но никак не мог составить того, что ему так хотелось,- слово «вечность»». Сталинский же человек складывал это слово не только из льдин – среди полярных широт мистического Русского Севера, но и из горных пород, из чертежей, из кинокадров и красных лозунговых букв. В попытке осмысливать Вечность создавалась особая ритуальность – сталинская цивилизация наполнена знаками и знамениями, смыслами, которые не надо было объяснять и проверять на практике. Кроме того, из осознания Вечности рождался дух историзма, подразумевавшего не просто подражательные формы, осовремененные новой идеологией, но восприятие классических форм, как своевременных, ибо у Вечности нет «вчера» и «сегодня», а есть незыблемое и – непререкаемое понимание гармонии. Отсюда – исключительное по своей мощи советское палладианство, усиленное фантасмагорическими грёзами Джованни Пиранези. Отсюда и свободное распоряжение эллинскими, ренессансными, барочными формами. Смешивание и эклектика – на многих нереализованных, но от этого не менее интересных проектах мы видим зиккураты, украшенные дорическими колоннами; древнеегипетские мотивы в сочетании с рокайльной лепниной, критские колонны рядом с барочными рогами изобилия. Всё это – наше, родное, почерпнутое из гигантских кладовых Вечности. Человек сталинской эпохи принимал придворные вальсы и мазурки, поэзию дворян-стихотворцев, маньеризм испанских драматургов и высокую трагедию античности, как нечто само собой разумеющееся.
Никакого «пролетарского авангарда» — по радио звучит Бах, вечером в театре — Лопе де Вега. Бархат тёмно-вишнёвых занавесов. Ажурная пена кружев и«…честь моя — верховный мой закон; / Я чту мой сан, и не допустит он…» Считалось, что советская прядильщица и, тем более, учащаяся консерватории, должны понимать смыслы и резоны Дианы де Бельфлёр. Поэтому и бабушка в «Слоне и верёвочке» подразумевается…аристократкой. Послевоенные служащие затянуты в чиновные мундиры а-ля николаевская эпоха; их дети носят гимназическую форму и старательно пишут каллиграфическими почерками сочинение о терзаниях дворянки Татьяны Лариной. Это наша Вечность, а Ларина столь же современна, как и персонажи фильма «Первая перчатка». Исследователь архитектуры Андрей Иконников, оценивая классицистические и барочные вкусы 1930-1950-х годов, писал, что для русского человека «…авторитетом привычного обладала традиционность. Особую привлекательность получила парадигма дворца… Дворец воспринимался, как воплощение победы и обладания властью». Далее автор приводит «знаки-символы», существенные для восприятия русского человека: «классическая колоннада дворянской усадьбы, купол храма, такие атрибуты «дворцовости», как монументальность и симметричность». По большому счёту, здесь мы видим всё то же обращение к Вечности, к истории, к традиции. Просто Иконников не делает столь грандиозного и ошеломляющего вывода.

Среди отчётливых признаков сталинской культуры всё тот же Паперный называет интерес как таким категориям, как высота и – вертикаль. Бесконечность. Именно поэтому тема неба так мощно звучит в искусстве 1930-1950-х годов, а лётчики становятся героями дня. «Бросая ввысь свой аппарат послушный / Или творя невиданный полет…» В кинофильме «Светлый путь» этот культ высоты находит своё выражение в полёте … на обычном автомобиле с откидным верхом. Паперный любит приводить в пример так называемое «небо-обманку» — плафон или мозаику на потолке с изображением лазурной выси, заполненной солнечным светом и освоенной дирижаблями, аэропланами, парашютистами.
Сталинский миф ненавидит мглу и поклянется свету. Стихийный культ Солнца. Время – утро. Утром Вечность порождает новый день, а ночью мир замирает: «И только вокзалы, заводы, / Часы и машины не спят». Недаром в искусстве того периода практически невозможно отыскать восторженных описаний ночи. Одно из немногих стихотворений, где о тёмном времени суток говорится с теплотой, это – «Ночная страница» Самуила Маршака. Зато прославление света и солнечных лучей мы находим в каждой строчке, в каждом кадре. Напомню, что такой же пафосный «солярный» культ был во времена Людовика XIV, когда короля сравнивали с Солнцем, освещающим путь человечества. Собственно, Grand Maniere, Большой Стиль был впервые «опробован» именно на подданных французского монарха.

Стремление ввысь превращало гигантоманию из «дурной привычки» — в красивый смысл. Отсюда – головокружительные проекты Наркомтяжпрома и Дворца Советов. Важной отличительной особенностью сталинской культуры являетсяукрашательство, которое, как и в случае с гигантоманией, вовсе не является чем-то вызывающим или бесполезным. Это – элемент Большого Стиля. Не «искусство ради искусства». Тут есть особый резон. Послушайте, на каком языке говорят, точнее — вещают персонажи кинокартин. Ни слова в простоте. Всё должно быть прекрасным, возвышенным, благородным. Исполненным на века – мы же творим и мыслим для Вечности. Ничего сиюминутного или бессмысленного. Если дом, то – непременно хоромы: «Когда тяжёлое известковое облако разошлось, позади глухого пустыря засверкал перед Наткой совсем еще новый, удивительный светлый дворец». Больше того, сталинская эпоха породила такие изумительные формы, как общественные туалеты в форме ротонд или, например, котельные с круглыми окнами (каковые часто встречаются в барочных постройках). Как-то раз мне довелось увидеть фотографии насосной подстанции, спроектированной Георгием Гольцем в конце 1930-х годов – портик, колонны, эркер… Ощущение, что это – классический парковый павильон екатерининской эпохи. А вспомните его же шлюзы на Яузе с барельефами – неподготовленный созерцатель решит, что это было создано именно в XVIII столетии. Но самый примечательный пример – это, разумеется, Метрополитен, который в 1930-1950-х годах создавался чем-то, вроде подземных святилищ, чертогов, …порталов в параллельную реальность. Старое метро обладает какой-то непостижимой магией – будто бы создатели зашифровали тайные послания и направили их в…Вечность, разумеется.
Творцом и потребителем такой культуры должен был стать некий безукоризненный хомо-сапиенс. Почему-то принято считать, что сверхчеловека воспитывали в чванливом Третьем Рейхе, а у нас растили «простого и скромного труженика». На мой взгляд, это ошибочный тезис – сверхчеловека выращивали именно в идеологических «лабораториях» сталинского СССР. Хвалёный нацистский Юберменш был всего лишь высокомерным садистом, который желал, если вдуматься, не так уж многого – жратвы, земельных угодий, бесплатной рабсилы, примитивных развлечений и сексуальных утех. Именно поэтому современные адепты «глянца» и гламура усматривают в эстетике нацизма нечто, родственное их образу мышления. Они сумели интуитивно ухватить там своё, кровное, родственное. В гитлеровской Германии тщательно культивировали филистера с высоким уровнем притязаний, а то, что ему подсунули расистскую жвачку и миф о «крови и почве», так это просто вариации на тему надстройки. Сверхчеловек – это тот, кто в состоянии совершать невозможное и, тем самым, определять вектор исторического развития. «Нам ли стоять на месте! / В своих дерзаниях всегда мы правы. / Труд наш — есть дело чести, / Есть дело доблести и подвиг славы». Время – вперёд! «Задержать темпы — это значит отстать. А отсталых бьют. Но мы не хотим оказаться битыми. Нет, не хотим! Вот почему нельзя нам больше отставать… Поезд летел…»
Даже детям прививалась чёткая мысль – подвиг это не право, но обязанность, а если ты не совершаешь подвиг, то ты не имеешь право принадлежать к нашей когорте советских людей. Сверхлюдей. Для обычного сапиенса подвиг – это нечто запредельное, а для советского – норма жизни. Как, впрочем, и каждодневное созидание, которое тоже не может считаться показателем усреднённого человека – «нормальное большинство» занято обыденным ремеслом — просто работой — а в сталинском СССР труд приравнивался к сотворению. И – к борьбе. Работники изображались похожими на античных героев – эллинские профили токарей и фрезеровщиков украшали барельефы домов культуры, а любовную линию свинарки и пастуха рассказывали языком классической галантной пасторали. Советский народ должен был ощущать себя этаким народом-аристократом, который призван к высокому служению и к установлению вселенской справедливости. Истинный аристократ никогда не бывает спесив, потому правила личной скромности сделались общеобязательными не только для рабочих, но и для вождей сталинской эпохи. Закономерно появлялся и особый тип внешности – белокурый атлет с ясным, открытым взором. Юрий Олеша, создавая образ идеального комсомольца Гриши Фокина, писал: «Есть тип мужской наружности, который выработался как бы в результате того, что в мире развивались техника, авиация, спорт. Из-под кожаного козырька шлема пилота, как правило, смотрят на вас светлые глаза. И вы уверены, что когда лётчик снимет шлем, то перед вами блеснут светлые волосы. Вот движется по улице танк. Вы смотрите. Под вами трясётся почва. Вдруг открывается в спине этого чудовища люк, и в люке появляется голова. Это танкист. И, разумеется, он тоже оказывается светлоглазым. Светлые глаза, светлые волосы, худощавое лицо, треугольный торс, мускулистая грудь – вот тип современной мужской красоты. Это красота красноармейцев, красота молодых людей, носящих на груди значок «ГТО». Она возникает от частого общения с водой, машинами и гимнастическими приборами». Это была современная вариация на тему эллинской красоты. Художники Александр Дейнека и Александр Самохвалов изображали девушек-спортсменок, срисованных с музейных Венер и Диан.
А вот и модное обозрение, напечатанное в №1 журнала «Работница» за 1936 год. «Гордость, сила и грация нашей молодёжи должны найти своё особое выражение в костюме. Мягкие одежды должны облегать стройные тела <…> Сверху спускалась девушка. Платье ловко облегало её стройную фигуру и падало к ногам мягкими складками…» — восторженно писала журналистка Э. Якуб. Советский человек = человек-эталон, который при этом не кичится своим высшим предназначением. Это – не право, но обязанность. Увлекательны вроде бы и ничего не значащие – на первый взгляд — детали. Главный герой спортивной повести «Вратарь» носит странную фамилию Кандидов. Типичный вариант для классицизма – так называемая «говорящая» фамилия. Candidus по-латыни – белоснежный, чистый, а иной раз — безмятежный, искренний. То есть эталонный герой советского мира.
Интересно, что именно в сталинскую эпоху была невероятно популярна сказка Шарля Перро «Золушка». Это не только знаменитый фильм Надежды Кошеверовой с Яниной Жеймо и Фаиной Раневской, но и сценарий Евгения Шварца, который был впоследствии поставлен ещё и на радио. Балет Сергея Прокофьева с шикарными декорациями Петра Вильямса 1944-1945 гг. Это – пьеса Тамары Габбе «Хрустальный башмачок», написанная в 1943 году и постановки, постоянно осуществляемые начиная с 1944-го. Это — эскизы марионеток и костюмов для Ленинградского театра кукол, осуществлённые художником и архитектором Георгием Гольцем, но, увы, не реализованные. Кроме того, изначальное название фильма «Светлый путь» тоже – «Золушка». Причина данного интереса — проста, ибо мы видим, как трудолюбивая девушка получает в награду не просто любовь принца, но и сопутствующие атрибуты монаршей благосклонности – чертоги, фонтаны и сады. Всё тоже получал советский человек, переодеваясь из рабочей спецовки в бостоновый костюм и отправляясь во дворец культуры, который мало чем отличался от королевских хором Галантного Века – всё та же прихотливая лепнина, колонны и плафоны. Таким образом, превращение хомо-советикуса из чумазого токаря в белокурого красавца со значком ГТО на лацкане, происходило каждый вечер. Больше того – в сказке Перро подчёркивается, что Золушка изначально не замарашка, а дочь «богатого и знатного человека». Она аристократка, посему грязь её не уродует, как, впрочем, и советского человека – партийца и …патриция. Что интересно, сама сказка была написана Шарлем Перро в 1697 году, как раз в эпоху наивысшей точки французского Большого Стиля и, по мнению некоторых историков, была посвящена морганатической супруге Людовика XIV – госпоже де Ментенон, как известно, прошедшей сложный трудовой (sic!) путь от нищеты и безвестности до королевского ложа… Безусловно, все эти признаки сталинской культуры – лишь малая попытка осмыслить её. Она ещё ждёт своего исследователя, певца и проповедника. Нам же остаётся только мечтать о новом взлёте культуры и о появлении особого стиля.

Источник

https://solimon.livejournal.com/1210428.html

Рубрики